El arte no se enseña, se transmite. Discurso de Érik Desmazières, delegado de la Academia de Bellas Artes. Al mismo tiempo que las obras de arte transmiten lo que constituyen nuestras identidades culturales a través de museos u otros canales de conservación, el acto de creación se transmite a través del aprendizaje y la práctica, en una relación maestro-discípulo. El artista nace, ...el artista transmite el arte..el arte no se enseña, se transmite La pregunta es vasta ya que la producción de obras de arte es inmensa y diversa y consensuada, el deseo de no verlas desaparecer. Transmitidos son como un objeto: una vez entregados por los artistas, pasan de mano en mano, de un lugar a otro, con el tiempo, depositados en un lugar seguro, conservados. Transmitidos también se transmiten como un objeto de conocimiento, difundido. Los agentes de la transmisión, la difusión, los conocemos, son los museos, las bibliotecas, pero también los lugares de exposición, la impresión en todas sus formas, libros, revistas, sin olvidar la versión virtual que propaga internet. hoy Todo esto es importante, pero se refiere al tema más amplio de la constitución de nuestros universos culturales y académicos, a la memoria, a la conservación, pero esto no es exclusivo del dominio artístico. Por lo tanto, no es esta transmisión del arte la que debería mencionarse, sino la que perpetúa el acto de la creación. Esto parte de una observación y de una permanencia. De hecho, tan atrás en el tiempo, esta transmisión casi mágica es asumida e invariablemente solo por el propio artista. Depende de él entrenar nuevos artistas y lo hace en un lugar bien definido, el estudio. No se trata de elaborar una historia de la enseñanza o de sus contenidos destinados a formar a los alumnos. Porque no importa aquí el asunto que se les da, las reformas y contra-rreformas. Lo que importa es la permanencia de esta realidad, de maestro a alumno, básicamente: "El arte no se puede enseñar, se transmite". Prefiero caminar por los talleres, sin interrumpir la magia de lo que se juega allí. El maestro está allí, quien domina. El taller está construido alrededor de él y se vive en una comunidad de discípulos independientemente de su edad. El aprendizaje siempre se realiza mediante la práctica. El maestro pasa y corrige. Sin lugar a dudas, todo proviene de la personalidad del maestro y su carisma. David. Hablare de David, sobre la base de lo que había sido el Collège des Quatre-Nations que una vez albergó su estudio, inaugurado en 1780. David estaba tan seguro de sí mismo y de su ascendencia que pudo declarar: "Es que solo ...Yo valgo una academia ". Para ser precisos después de haber estado en el Palacio del Louvre, su estudio se alojó aquí, desde 1811 hasta 1816 (fecha de su exilio), y estuvo en la planta baja debajo de la biblioteca Mazarine. Fue el taller más famoso y popular de toda Europa. Sus estudiantes, más de cincuenta, tenían suficiente libertad para organizar su trabajo, dibujar, estudiar a partir de modelos. La transmisión de su arte pasó no solo a través de ejercicios prácticos, sino también a través de la palabra del maestro y su influencia sobre los alumnos, sino que también se extendió de un alumno mayor a uno nuevo más joven. En cambio, vemos a otro maestro pero repudiado por sus alumnos, aún dentro de esta venerable casa, Antoine-Jean Gros, ex alumno de David quien lo sucedió después de su partida en el exilio, quedó atrapado entre sus mandatos, las expectativas contradictorias de sus estudiantes y las decepciones expresadas por los críticos y termino muriendo ..en lo irreparable. El poder de la personalidad del maestro puede ser tal que se convierta en adoración y veneración, convirtiéndose el taller en un templo cuyo pintor sería el sumo sacerdote que inicia a los fieles, sus alumnos, en su religión, la pintura. Tal fue el caso con el taller de Girodet que llevó a cabo entre 1796 y 1823 (un año antes de su muerte), famoso por la atmósfera de misterio que mantenía y que emanaba de él. Durante los años 1830-1840, talleres como los de Paul Delaroche (que fue alumno de Gros) y Léon Coignet desempeñaron un papel importante en la formación de jóvenes artistas. Ambos miembros de la academia, pero era en su taller privado donde realmente había un espíritu comunitario. Delaroche, cuyo estudio abrió en 1835, era de carácter bastante frío y distante, pero tenía fuertes relaciones con algunos estudiantes elegidos. Incluso dejó que algunos de ellos, los más experimentados, lo ayudaran en sus pinturas, ese fue el caso, por ejemplo, para la realización del fresco ubicado en el anfiteatro de honor de la Escuela de Bellas Artes, lugar simbólico, dedicado a la proclamación del Gran Premio de Roma. Ser admitido por el maestro era muy difícil, y ser aceptado por la comunidad como una prueba definitiva. Los ritos de entrada y las novatadas podrían hasta convertirse en un drama. Tal lo hizo Delaroche, quien cerró su taller en 1843 después de la dramática muerte de un recién llegado. Luego continuó dando su consejo en clases de "clases magistrales" que tuvieron lugar en su taller personal. También existieron otras academias privadas, como la Academia Suiza (llamada así por su fundador, un antiguo modelo de David), abierta a todos sin condiciones de acceso. Muchos grandes artistas pintores hicieron su debut allí y pudieron conocerse allí. Claude Monet conoció a Cézanne, Guillaumin a Pissarro. Más tarde se fundó la Academia Juliana en 1868, que rápidamente se convirtió en un importante centro de formación artística. Miles de futuros artistas asistieron a esta academia durante casi un siglo, muchos estudiantes se matricularon allí y en la Escuela de Bellas Artes. Más tarde aún, la Academia Ranson creada en 1908 dio la bienvenida a los Nabis. Por lo tanto, podríamos decir que: ...la escuela de arte es un laboratorio de incubación donde el estudiante debe permitirse infectarse con múltiples bacilos estéticos, teóricos (incluso políticos) para encontrar su camino ...
Por lo tanto, ningún diccionario de artistas puede hacernos olvidar la paternidad.
Entonces, qué sorpresa recordar que un Edouard Manet o un Puvis de Chavanne fueron estudiantes de Thomas Couture, donde Manet asistió al taller durante seis años, justo cuando Corot "descendió" de Pierre-Henri de Valenciennes y sufrió el incidente con Achille-Etna Michalon su contemporáneo pero más avanzado que él en la carrera. Y a su vez, estuvo en la personalidad de Corot hacer la escuela, no enseñando y preceptando, sino pintando "mientras cantamos al final de un banquete" . .. y citemos a Emmanuel Pernoud evocar esto a su manera: Que en París, los artistas académicos encontraron talleres donde su magisterio siguió dentro de los límites de un ejercicio profesional y jerárquico, mientras que Corot continuo formando a los 'estudiantes de Corot" invitándolos a pintar junto a él en los campos ". Así fue también con Corot con Pissarro ... Y en estos casos, la transmisión del arte no significó repetición o rutina, esto todavía se verifica cuando vemos que Giacometti era pupilo de Bourdelle y Bourdelle de Rodin y el mismo Bourdelle fue acogido en su taller privado avenue du Maine Germaine Richier, de 24 años, donde permanecerá hasta la muerte del maestro en 1929. Y en la Escuela de Bellas Artes cuya historia es inseparable de nuestra Academia, ¿qué paso? Hasta la gran reforma de 1863, ningún taller "práctico" en sus recintos, porque la transmisión tuvo lugar en los talleres privados de los que acabo de mencionar algunos nombres importantes. En 1863, los talleres de pintura, escultura, arquitectura y grabado hasta ahora proscritos incluían la rue Bonaparte, tres por disciplina. Y recientemente, poco ha cambiado, excepto que hoy la Escuela tiene alrededor de treinta y que los talleres privados son mucho menos y sobre todo mucho menos influyentes. Ayer como hoy, estos talleres son dirigidos por artistas de renombre. Y el esquema continúa: la misma figura totémica, la misma comunidad que reúne a los alumnos durante cinco años, la misma necesidad de elegir y ser adoptados por el jefe del taller, el mismo sistema de Gran Misa que gestiona la comunidad, el mismo aprendizaje haciendo que el alumno produzca sin ser artista. Las mismas declinaciones que encontramos en los sistemas educativos: "una transmisión técnica del saber hacer, una transmisión teórica, una transmisión estética sobre el modo de formar el juicio y el gusto". Esta necesidad de transmisión de profesor a alumno la vemos aún incluso en una escuela como la Bauhaus, que parece revolucionaria y que se hizo así por su contenido, los fundamentos de la transferencia son los mismos: la escuela estuvo estructurada con maestros, aprendices y compañeros y convocó a artistas y arquitectos, todos los principales creadores.
Josef Albers: "Enseñar, sobre todo, no es una cuestión de métodos o técnicas, sino de personalidad; la influencia duradera es la influencia personal"? Citemos a las personalidades que animaron la Bauhaus: Gropius, su director, Kandinsky, Klee, Moholy-Nagy, Feininger, Schlemmer, Albers. Para preguntarse incluso si los maestros no eran demasiado imponentes y no conducirian por la fuerza de su personalidad a un callejón sin salida. Excepto en la arquitectura, salieron más o menos creadores, lo que hará decir más tarde al pintor danés Asger Jorn: "Los líderes de la antigua Bauhaus eran grandes maestros, con talentos excepcionales, pero pobres profesores. Las obras de los alumnos fueron travesuras piadosas, modelos de sus maestros". Este es un juicio severo, muy severo ... Debido a que no está claro si había entre estas personalidades fuertes una pasión por la transmisión y la pregunta sigue abierta, la historia no nos lo permite responder desde que la Escuela fue cerrada en la primavera de 1933. Que como un ave fénix, renació de sus cenizas en otro lugar. Después de su cierre, la mayoría de los maestros se fueron a los Estados Unidos, donde realizaron actividades pedagógicas en Nueva York y Chicago ... Y en Carolina del Norte vemos renació un nuevo "laboratorio de incubación" en el Black Mountain College donde se reunieron de 1933 a 1957 bajo la dirección de Josef Albers, Moholy-Nagy, Marcel Breuer, Mies van der Rohe.
Las sesiones de verano que se hicieron famosas ven la llegada de Fernand Léger, Gropius, el pintor Ozenfant, Feininger. Ossip Zadkine, que más tarde fue profesor en Beaux-Arts en París, así como el joven artista irlandés Stanley W. Hayter, pintor y grabador que luego tendrá un famoso estudio de grabado, Atelier 17, también en París, el músico. John Cage, acompañado por la joven coreógrafa Merce Cunningham, el fotógrafo Fritz Goro también desertor de la Bauhaus ... De este grupo salieron los artistas estadounidenses más famosos de la posguerra: como Twombly, Kline, Rauschenberg, Motherwell ... En cuanto al grabador Albert Flocon (Mentzel de su nombre real), un joven alumno de la Bauhaus en 1933, fue en París donde encontró refugio y más tarde se convirtió en profesor de perspectiva en la Escuela de Bellas Artes. Conclusión, ya sea en los talleres del siglo XVI en Florencia, o en los talleres de la escuela de bellas artes, del siglo XIX, o en las modernas instalaciones de la Bauhaus, que la transmisión se realiza a través del artista y es el propio artista el que cuenta más que su supuestas competencias pedagógicas, porque transmite una actitud y porque está animado por el placer de transmitir. Finalmente, la palabra del nuevo director de la Escuela de Bellas Artes, él mismo artista y maestro, que asumió el cargo hace un mes: "mi misión es traer y regresar de los grandes artistas y ponerlos a cargo de los talleres".
Todo pasa por la mágica transmisión. La escuela es una utopía, si sólo entrenamos para oficios, y buscar trabajo.
Hoy día y en la historia el papel del Maestro y el discípulo continua siendo más importante que nunca.
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